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Beethoven 9ª Sinfonía, voz por voz

2011-06-17T13:18:00.000-07:00

c. 654-729 (Fuga: Seid umschungen / Freude, schöner Götterfunken)

Sopranos

Altos

Tenores

Bajos

La embajada - BSO

2011-05-30T13:39:00.000-07:00

Banda sonora para el grupo de teatro Jaleo (a ver si acutalizáis la web) que estrenará esta producción propia en el Círculo Catalán de Madrid (en Plaza España) el 26 de Noviembre de 2011. A 30 de Mayo no hay escrita una sola nota. Iré colgando las primeras versiones.

ACTO 1: UNA EMBAJADA DE EEUU EN UN PAÍS COMUNISTA

Escena 1. Obertura para voces graves (consta de tres partes, que sonarán seguidas)

1a. Canto gregoriano: La hermana Dorothy se dirige al público por delante del telón cerrado, mientras de fondo se escuchan una monodia gregoriana. Esta pobre monja lleva 6 años encerrada en una embajada de EEUU de un país comunista huyendo del régimen.

1b. Coro soviético: Tras la presentación, las luces se apagan y el canto gregoriano se transforma en un coro soviético. Se abre el telón y se encienden las luces

1c. El relato de la hermana Dorothy: La música se vuelve desenfadada mientras que sor Dorothy, haciendo de narradora, va presentando uno a uno a los ocupantes de la embajada sobre un cuadro de personajes paralizado. Tras cada explicación, la música se detiene un momento, y cada personaje se activa con una pequeña frase. Luego, vuelven a pararse y la música continúa con la siguiente explicación.

Escena 2. Günter: Entra el malvado agente de los servicios secretos del país comunista. Cortinilla de unos segundos, con música del malo. La misma música suena cuando se va.

Escena 3. Horas más tarde: Jack Doyle, el hijo del embajador, tiene que hacer frente a una crisis diplomática. Llamadas de teléfono, cansancio, anochece, y la música tiene que indicar todo esto sin que haya una sola palabra.

Escena 4: No hay música

Escena 5. ¡Esto es una embajada! El final caótico, una persecución a lo Benny Hill (ya se pueden imaginar la música). Posible fin del acto primero, se apagan las luces. La música divertida continuará durante 1 minuto hasta que se abra el telón.

ACTO 2: DÍAS DESPUÉS

Escena 6. El señor Mckinley tararea uno de los temas principales, todavía está por ver cuál.

Escena 7. El Sultán de Kapurthala: Anuncio oficial "El sultán está aquí". Suena una marcha oriental, que da paso a la corte del sultán, con concubinas, elefantes y todo lo demás, que van ocupando la escena, y dan paso al Gran Sultán, que camina al ritmo de la música. Cuando la música termina, el Sultán deja de caminar. Sencillo.

El Sultán se irá ofendido tras una discusión con el señor Mckinley, por supuesto, con su cortejo, ceremonia y marcha oriental. A continuación, el también ofendido señor Mckinley hará mutis por el lado opuesto, por supuesto con toda la ceremonia que pueda, y con marcha oriental también.

Escena 8. Mira todas esas estrellas: Jack crea una atmósfera romántica poniendo una gramola con Jazz-Piano tipo años 30, mientras apaga la luz para poder ver mejor al ejército soviético que rodea la embajada, y de paso acercarse a Sharon, la hija de los Mckinley. Su intento es algo ridículo, los focos militares iluminan constantemente la estancia y los torpes intentos de roce son desastrosos. La escena no tiene final feliz, Sharon se va y Jack quita la gramola. Final musical abrupto.

Escena 9. Günter again y entreacto: Su música de malo again. Más adelante, llega la noticia de que la operación de intercambio de espías ha fracasado, el zorro gris se ha suicidado. Un acorde de tensión. Los acontecimienos se precipitan, Jack y Sharon se quedan solos y el tema romántico vuelve a surgir, esta vez con violines, y con la tensión acumulada. En un gran crescendo, la escena terminará con un beso, las luces fuera, y la música continuará.

ACTO 3: SEMANAS DESPUÉS

Escena 10. El relato de la hermana Dorothy (2): Continúa la música de narración con interrupciones, que irá desapareciendo gradualmente mientras la acción vuelve a cobrar vida, al igual que en el ACTO 1.

Escena 10 y 11. Clamor: Lo principal de esta escena son los silencios, que son muy dramáticos. Tras un rato de charla intrascendente, los personajes callan creyendo oir algo. Tras unos segundos de silencio, un clamor lejano de gente se acerca gradualmente. Los personajes seguirán hablando, pero el clamor crece y crece y se volverá ensordecedor llegando a tapar incluso la conversación (se podría reforzar con rumores fuera del escenario de los demás actores). Tres disparos.

Los personajes vuelven a hablar poco a poco, se van excitando hasta que un nuevo ruido les interrumpe otra vez, en esta ocasión un cristal roto y una bomba que aparece en medio del salón.

Este silencio es inquietante, los clamores han desaparecido de repente. Tras unos segundos de silencio, se empieza a escuchar un tic tac que irá gradualmente creciendo, y de vez en cuando sonará irregular para generar más tensión. En el momento de más tensión, todos estarán pendientes de Jack, que intenta desactivar la bomba, nadie habla y el tic-tac crece hasta que... silencio...1...2 segundos... y todos respiran aliviados.

Al final de la escena, la bomba explotará al arrojarla a la calle en un descuido.

Escena 12. El relato de la hermana Dorothy (3): El relato continúa, pero es más acelerado y más tenso, la música también. Será reconocible, pero añadirá elementos nuevos más oscuros.

Escena 13. Recepción en la embajada: La escena vacía. Aparece un sirviente que lleva una bandeja a la habitación de al lado. Luego vuelve a por otros utensilios, y se cruzará con un segundo sirviente, que irá también cambiando el escenario para la fiesta. Enciende el gramófono para ir ambientando, empieza a haber rumor de gente desde la habitación de al lado, cada vez más movimiento de copas y gente entrando y saliendo. La música es festiva en su comienzo, pero se va volviendo más oscura según los sirvientes entran y salen, para marcar el paso del tiempo.

En un momento dado, por encima de esta música de fondo, sonará la música de Günter, cuando éste haga su aparición ¿cómo sincronizarlo? Ni idea. La tensión desaparecerá cuando los protagonistas consigan dar esquinazo a Günter, quedando sólo la música de fiesta.

Poco a poco los invitados se retiran, los sirvientes van recogiendo. Y apagan la gramola justo en el momento en el que los Mckinley se encuentran de cara con Günter. El silencio es tenso y debe durar unos segundos.

Mientras todos esperan desde dentro de la embajada a que los Mckinley escapen, el silencio debe ser mortal, que se corte con un cuchillo. Un disparo abortará la operación.

Escena 14. Final: A la mañana siguiente (bajonazo, a ver si este salto temporal pudiera desaparecer) a Jack se le ocurre un plan para hacer escapar a los Mckinley. En el momento que empieza a pensar, ya la música del final empieza a sonar con un ostinatto in crescendo, en el que se irá reconociendo la marcha oriental del sultán, pero mucho más peliculera, y repetitiva para poder adaptarse al tiempo de la escena con libertad. Cuando ya esté la música fuerte, se corta unos segundos para dejar paso a la última frase de la hermana Dorothy. A continuación, la música desemboca en la fanfarria final que será... ¡yo qué sé cómo será!

Buscando polifonías no escritas

2011-02-01T17:31:00.000-08:00

Tiene tres opciones para leer este artículo:

1. Descargar este

PDF Programa del concierto

2. Escuchar el siguiente programa de radio de El Callejón Hambriento

3. Leer lo que viene a continuación

Nota: todas las grabaciones de audio han sido realizadas por el Coro de Cámara A Capella, el 15 de Octubre de 2011, en el salón de actos del Colegio Calasancio de Madrid.

¿Cómo es la polifonía coral cuando no está teñida del academicismo europeo y surge como una expresión popular? Les proponemos una vuelta al mundo donde descubrirán cómo cantan a varias voces diez culturas distintas de cinco continentes.

En este recorrido verán melodías populares que compositores ilustres recogieron en sus cuadernos de viaje y adaptaron para formaciones corales occidentales, pero también canciones en estado puro, tal y como se cantan hoy en día en sus regiones de origen, algunas de ellas transcritas literalmente para ser cantadas en la serie de conciertos que el Coro A Capella ofrece a lo largo de 2011 en Madrid. Pueden descargar las partituras si siguen leyendo.

La carta de navegación de este recorrido es este mapa. Desde Filipinas hasta Estados Unidos, pasando por China, Oriente medio, los Balcanes, el Mediterráneo o las Antillas, podrán también ver cómo algunos de estos cantos tienen rasgos comunes, fruto de su contacto geográfico.

Varias de los ejemplos que escucharemos tienen en común un pasado colonial europeo que se superpone a las costumbres nativas. En muchos casos son compositores de formación europea que descubrieron la riqueza de su país y realizaron un sincretismo musical mezclando cantos nativos, influencias de la metrópoli y su propia inventiva.

En otros casos serán las propias melodías, en origen a una sola voz, las que se hacen populares, sobreviviendo generación tras generación, y siendo sometidas a influencias de otras culturas cercanas, llegando al siglo XXI en una cantidad tal de variaciones y versiones (incluso de estilos musicales comerciales) que no es de extrañar la existencia también de versiones corales.

El último objeto de nuestra búsqueda son las tradiciones orales no escritas que desde su origen se cantan a varias voces. Las podemos hallar en diversas partes de Europa, ocultas en islas o pueblos montañosos, cantadas por campesinos o cabreros, sobreviviendo todavía hoy a las influencias musicales modernas, pero seriamente amenazadas, a pesar de considerarse patrimonio inmaterial de la UNESCO.

Filipinas - Rosas Pandan

Acaban de oír Rosas Pandan, canción tradicional tagala cuyo arreglo ha sido realizado por George Hernández, filipino residente en Los Ángeles. En él ha recogido la clara influencia de las rondallas tradicionales españolas en la música cebuana, pero conservando el espíritu festivo e inocente original de la pieza. Se trata de un tipo de baile llamado Balitaw, y celebra la belleza la belleza de la joven Rosas Pandan.

Mongolia/China - Pastoral (牧歌)

En las estepas de Mongolia los pastores de ovejas han desarrollado una técnica denominada diafonía, por la cual una sola persona es capaz de emitir dos, tres y hasta cuatro sonidos simultáneamente con su propia voz. Se mantiene una nota grave, y modificando las cavidades de la boca se empieza a escuchar una melodía muy aguda, parecido al de una flauta. Se trata de un efecto acústico amplificado, llamado armónico, que es lo que nos permite diferenciar una vocal de otra.

Hemos podido conocer una de esas canciones pastorales que ha trascendido fronteras gracias a Shih Shyen Hyá, un compositor Chino que ha trascrito este canto diafónico para ser interpretado por un coro occidental.
La primera pista es un breve fragmento de la canción cantada con la técnica de los armónicos.

PDF Pastoral

Cantos hebreos

Los hebreos son tradicionalmente un pueblo errante en busca de la tierra prometida, y sus canciones son reflejo de ello, tanto por la temática que a menudo hace referencia a esa diáspora, como por sus influencias musicales que van tomando de los territorios que atraviesan.

Así, "Orcha Ba mibdar" (Caravana del desierto, también conocida como Yamin Usmol, זכות שמאלה) es un fiel reflejo del tránsito judío por tierras árabes, con su ritmo constante de marcha sin fin y sus melodías de clara influencia oriental. Esta canción, transcrita en 1927 se ha convertido en uno de los iconos de la diáspora eternamente errante.

La otra canción, "Hora Alí", pertenece al genero Jora, una danza rápida de ritmo asimétrico que se baila en círculos y que celebra ocasiones festivas, como en las bodas, y que tiene su origen en los balcanes. En el siglo XIX los judíos balcánicos llevaron estas danzas hasta Israel, convirtiéndose, gracias a su temática de celebración de la formación de un nuevo hogar, en un símbolo de reivindicación de la tierra prometida.

PDF Hora Ali

Bulgaria

"Las abuelas de Bistritsa". Así se conocen a las ancianas mujeres de una remota región de Bulgaria , la última donde todavía pervive el canto en círculos de la Jora que los hebreos llevaron a Israel, que también aquí celebra la formación de un nuevo hogar y la mayoría de edad de las muchachas del pueblo.

La polifonía que allí pervive tiene una gran relación con la polifonía diafónica de Mongolia en el que una única persona lograba producir una melodía a la vez que mantenía una misma nota. En este caso, son varias las mujeres que hacen el proceso, manteniendo la nota las que tienen la voz más grave y cantando una o dos melodías a la vez las voces más agudas. El conjunto de las tres voces, a veces cuatro, tiene una sonoridad extraña, a veces dura, pero fascinante.

Añádanle a eso que los ritmos Búlgaros no son regulares y mezclan dos o tres medidas distintas, lo que lo hace difícil de medir a nuestros oídos.

En 1950, el gobierno comunista de Bulgaria decidió difundir y preservar el canto de las abuelas de Bistritsa, que fue grabado y transcrito a partituras, llegando a atravesar el telón de acero unos años más tarde con el nombre de “El Misterio de las Voces búlgaras”. La labor en los arreglos fue quirúrgica y respetuosa con las piezas originales y el resultado, inmejorable, y así se lo ofrecemos hoy con dos canciones, "Polegnala e Tudora" (Todora se ha dormido) y la Jora "Erghen Deda" (el abuelo Erghen).

Polegnala e Todora (Полегнала е Тудора)

Todora se ha acostado, para doble coro de mujeres. Pincha título para escuchar la canción.

PDF Polegnala e Todora

Ergen Deda (Ерген деда)

También puede encontrarse como Erghan o Erghen Diado. Pincha título para escuchar la canción con percusión.

PDF Ergen Deda

MIDI Ergen Deda

En este video cantan las dos canciones seguidas, pero sin percusión

Folclore Húngaro

En 1920, dos músicos jóvenes recorrieron Hungría para recoger las tradiciones musicales más recónditas, que luego plasmarían en buena parte de sus composiciones. Bela Bartok y Zoltan Kodaly. De este último, hay dos interesantes ejemplos de cómo una melodía popular puede convertirse en una canción polifónica usando para ello armonías húngaras de gran colorido y exotismo

PDF Esti dal

PDF Túrót ëszik

En el video se puede ver al propio Kodaly escuchando una interpretación del Túrót de un sonriente coro de niñas.

Mediterráneo

A lo largo del mediterráneo en entornos aislados como islas o penínsulas montañosas diversas tradiciones polifónicas cantadas por cabreros y pastores, preservando, aunque parezca increíble, cantos del imperio Bizantino, muchos de ellos con origen religioso que han acabado adaptándose a leyendas locales o a letras intrascendentes.

La técnica es parecida a la búlgara, una nota tenida y melodías superpuestas, pero en este caso, al estar cantadas sólo por hombres, se pueden usar algunas técnicas vocales más "rudas" que imitan algunos sonidos de la naturaleza.

Así, hemos encontrado esta canción cantada en el sur de Albania: La hermana llora al hermano "Qan motre për vëllanë", en el que dos cantantes alternan una triste letra con imitaciones de pájaros, mientras el resto de los hombres provocan el canto del viento.

Albania: Qan motre per vëllanë.

Pincha título para escuchar la canción en Spotify

PDF Qan motre per vëllanë

Córcega: A me brunetta

Pincha título para escuchar la canción

PDF A me brunetta

MIDI A me brunetta

En Córcega y Cerdeña también encontramos los cantos de remoto origen bizantino, adaptado a letras de poetas locales, como en el caso del Canto a Tenore Sardo, o a letras sin más sentido como la serie numérica de "A me brunetta" "A mi morena", cantada en Córcega.

El Ballu Seriu que veremos a continuación es un "Canto a Tenore" de Cerdeña, en el que cada solista reproduce también sonidos de la naturaleza.

Así, la voz aguda (Mesu oche) imita según una antigua leyenda el sonido de las campanas de las ovejas movido por el viento. La voz media (Contra) es una imitación del sonido de la oveja. El bajo imita el mugido de la vaca.

Cerdeña: Ballu Seriu. Pincha título para escuchar la canción en Spotify. En este video un grupo de exiliados Sardos cuentan cómo se canta.

PDF Ballu Seriu

Cantos wagogo

Inamwalukó, un temita de la tribu Wagogo que se canta en el rito de circuncisión que marca el paso a la mayoría de edad. Partitura en preparación.

Estados Unidos (Sacred Harp):

Cuando hablamos de música “étnica”, nos imaginamos lejanas tribus y exóticas culturas. Por eso puede ser chocante que este viaje termine en los Estados Unidos de América.

El Sacred Harp es una tradición musical que se remonta a los siglos diecisiete y dieciocho, cuando los colonos se estaban asentando en las faldas de los montes Apalaches. Las comunidades que se formaban, aisladas, rodeadas de bosques y amenazadas por todo tipo de peligros crearon una forma de unir a sus habitantes y de introducir la música en la vida de unas gentes sin la más mínima formación.

A partir de las sencillas melodías irlandesas o de los indios nativos, los colonos con conocimientos musicales hicieron arreglos a tres o cuatro voces, e inventaron un lenguaje musical para poderlos enseñar a las gentes que no sabían leer música.

La Shape Note Music, una notación musical que prescinde del pentagrama y asigna a cada nota una forma: un triángulo para el Fa, círculo para el Sol, un cuadrado para el La...

Los grupos, compuestos por casi todo el pueblo, ancianos y niños incluidos, se reunían (y aún se reúnen) en un espacio amplio como el juzgado o la iglesia. El objetivo no es cantar para ningún público, sino para ellos mismos. La música resultante, de raíces tradicionales y cantada por voces nasales y sin cultivar, rebosa un primitivismo y una espontaneidad inocente que le otorgan una fuerza especial, que luego daría pie a la música Country y al Gospel.

Idumea

Pincha título para escuchar la canción tal como suena en la banda sonora de "Cold Mountain", con una clara influencia apalache. El coro afina y canta la primera letra solfeando sólo con los nombre Mi Fa Sol La. Siempre la nota principal es La

Rocky Road

En este caso, la nota fundamental es siempre Fa. Una melodía más irlandesa y country.

Separar las voces de los archivos MIDI

2011-01-21T15:41:00.000-08:00

¿Estás en un coro y no te enteras de tu voz? ¿Te han pasado un archivo midi en el que todo suena a la vez y tienes la desgracia de pertenecer a una de esas cuerdas intermedias que tienen notas dificilísimas pero que nadie escucha?

Bien, tienes la oportunidad de escuchar las voces por separado instalándote este sencillo programa gratuito:
http://www.synthfont.com/SynthFontSetup.exe

Synthfont te permite bajar el volumen de esa maldita voz de soprano que tapa todo lo demás y escuchar sólo esa oscura melodía que Dios sabe por qué el compositor habrá escrito así.

Si el programa te da la lata, deja un comentario, e intentaré ayudarte.
(Asociación contra el olvido de las voces intermedias de los coros)

Misa de Villarramblas para coro mixto

2010-12-12T16:18:00.000-08:00

Misa by Iván Villarrubia is licensed under a Creative Commons Reconocimiento-NoComercial 3.0 Unported License.
Based on a work at villarramblas.blogspot.com

(Hay un programa para separar las voces de los archivos MIDI, pincha aquí)

.
01. Himno de entrada (falta letra, falta revisión para editar)
Adaptación de esta música para la obra de teatro "Arsénico por Compasión"

02. Kyrie ( Terminado el 10 noviembre 2010)

Adaptación de un Kyrie para 2 bajos, hecho unos años ha para coro a 4 voces.
Grabación del Octeto Anonymus del 9 de Enero de 2011
PDF Kyrie a 4 voces
PDF Kyrie para 2 bajos
MIDI Kyrie

03. Gloria (terminado el 2 de Julio de 2011)
Versión en su tono original

Versión más grave con mi voz. AVISO: Esta grabación puede provocar alteraciones mentales

PDF Gloria

MIDI Gloria

04. Credo (Noviembre 2010 - 3 Enero 2011)

Y grabado con voz por mí mismo (2 voces por cuerda), unos cuantos tonos por debajo. Sopranos: no intenten cantar esto en casa.

PDF Credo
MIDI Credo

05. Sanctus (Diciembre 2010 - 18 Enero 2011)

Grabación de octeto Anonymus 19 de Febrero de 2011

Grabación MIDI

PDF Sanctus

MIDI Sanctus

06. Agnus Dei (compuesto entre 10 y 22 noviembre 2010)

Grabación del Octeto Anonymus del 9 de Enero de 2011
PDF Agnus Dei

MIDI Agnus Dei

07. Himno de salida (falta letra, falta revisión para editar)

Extra. Ave María para 3 mezzos

PDF Ave Maria

MIDI Agnus Dei

Calles tranquilas para ir en Bici por Madrid

2010-08-12T09:03:00.000-07:00

Se dice frecuentemente que Madrid no está preparada para ir en bici porque sus calles tienen un tráfico muy denso, los carriles bici que tiene son todavía escasos y malos, y las pendientes son fuertes. Sin embargo, a veces se nos olvida que existen multitud de opciones para circular en bici usando las calles secundarias de la ciudad, que son mucho más directas y fáciles de usar que un carril bici, y que por su tráfico moderado y lento, son fácilmente recorribles por ciclistas no expertos circulando como un vehículo más. Además, la cantidad de estas calles secundarias es tal que es fácil encontrar alternativas a las pendientes fuertes en muchos casos.

Para poder encontrar esas rutas, he creado este Plano para ir en bici por Madrid sin necesidad de depender de carriles bici, ni usar grandes avenidas con mucho tráfico. El plano indica también los cruces que pueden resultar complejos a ciclistas poco experimentados, recomendando en cada caso alternativas peatonales para cruzar.

Puedes imprimir el plano aquí abajo...

...o bien consultarlo directamente en pantalla. Haz click en la imagen para ampliar.

Cualquier aportación para mejorar el plano o para añadir nuevas rutas serán bienvenidas en los comentarios de esta página, o en esta entrada de Enbicipormadrid. También puedes escribir a villarramblas@espormadrid.es.

Para ser incorporadas al plano, las rutas deben cumplir los siguientes criterios:

1. Calles de tráfico moderado

2. Pendientes moderadas

3. Recorridos que no se interrumpan en grandes avenidas

4. Recorridos de ida y vuelta por calles cercanas

Este plano ha sido posible gracias a la colaboración de Aalto, Miguel S, Chuparruedis, Manzattan, Víctor Gandía, Nacho Parres,Pablo Rodríguez Monedero, Daniel Hita Martínez, Fernando Martínez y Jesús Machín Ortiz, que me han ido aportando varias de las rutas.

Música para NGCficción editorial

2010-01-30T16:41:00.000-08:00

Encargo para un anuncio con el que se estrena la editorial NGCficción (que se puede ver aquí).
En el anuncio las músicas son algo más cortas, aquí se pueden escuchar las versiones extendidas.

Tema para Darth Vader
Versión 1.1 (14 de Febrero)

Tema para vampiro de Serie B
Versión 1.0 (30 de Enero)

Tema para Frankenstein
Versión 1.1 (16 de Febrero)

Tema para una discoteca
Versión 1.0 (6 de Febrero)
Esta versión no se pudo usar finalmente por falta de tiempo.

Arte del paisaje involuntario

2009-07-22T03:03:00.000-07:00

Algunas construcciones humanas sobrepasan la mera escala del objeto construido, llegando a configurar un nuevo paisaje que en ocasiones puede ser muy bello y podemos entenderlo como una obra de arte de paisaje (land-art), aunque no se hicieran con ese fin.

Ejemplos para desarrollar:

Iglesias románicas en Europa

Círculos de trigo en Inglaterra

Pirámides en Egipto

Postes eléctricos

Luces de aviso para aviones en edificios en Tokio

Mar de invernaderos en Almería

Música para un corto "Fin"

2009-07-22T03:01:00.000-07:00

Esta sí se terminó. Un corto de escuela experimental del 2004, al que le puse la música con los en principio inocentes medios de mi voz, una flauta de pico (las de colegio) y un piano, aunque con resultados sonoros interesantes.

He encontrado una referencia al corto por la red:

http://www.zemos98.org/festivales/zemos987/detalle.php?Cod_crea=1399

Grabaciones caseras

2009-07-16T10:57:00.000-07:00

"Il Ballerino" de Giovanni Gastoldi, más conocido en España como la canción de los labriegos que van a los bancales en "Amanece que no es poco". Partitura y grabación de un amigo y mi mismo.

Arsénico por compasión - BSO

2009-06-23T13:00:00.001-07:00

Aquí se verá la evolución de una banda sonora para la interpretación en teatro de Arsénico por Compasión, desde los primeros de ideas con MIDI hasta su versión final que se estrena el 17 de octubre. Se podrá seguir la evolución tanto de la composición musical como de la propia calidad de la grabación.

Por deseo del cliente, la banda sonora utilizará una orquesta clásica con una partitura que sea coherente con el estilo de las películas de Hollywood de los años 30 y 40.
VERSIÓN FINAL (terminada el 1 de Octubre)

01. Obertura

Público entrando en la sala, murmullos, gente sentándose... Sutilmente, empieza a sonar la obertura, con la orquesta afinando. Con el "tactactac" del director, se apagan las luces y empezará la obertura, muy del estilo de John Adisson (véase "Se ha escrito un Crimen"). He conseguido un tema pegadizo y divertido, que creo que viene bien a este drama de misterio, humor y cadáveres. Las campanas finales abren el telón: en el escenario, una tradicional familia toma el té.
02. Acto I: Adelante, Doctor

Adorables ancianitas de la casa: "Alguien llama a la puerta, apaguemos las luces". En la oscuridad, dos figuras siniestras entran en la casa. La música grave acompaña sus voces: "Adelante, Doctor" "Si, Johny, este parece un buen escondite".

Un pequeño toque de vibráfono resalta unas copas con vino y arsénico que hay en la mesa "Mira: ¡Vino! Es como si nos estuvieran esperando, vamos a tomar una copa". Cuando van a beber el arsénico, las ancianitas encienden las luces y se para la música (especialmente preparada para cortarse en cualquier momento).

03. Entreacto I-II

Esta parte termina con un trompetazo de Teddy mientras grita "a la cargaaaaa", y se abre con Johnatan dando conversación interminable a sus tías para obligarlas a que le inviten a quedarse a dormir en casa, de ahí la curiosa transición musical. El tema del oscuro Johnatan (ya anunciado en la pista 02) es el mismo que el pizzicato de las tías, aunque un poco más siniestro, claro.

04. Cadáveres en Panamá

Mientras todos duermen, en la oscuridad, Teddy se acerca al baúl a recoger el cadáver para enterrarlo en Panamá (el sótano de la casa), con un cierto aire militar. Mientras tanto, Johny y el doctor entran con su propio cadáver, mientras suena una fuga a 3 voces con los instrumentos de viento. (En las versiones previas, se escucha la fuga desarrollada hasta el final).

05. Entreacto II-III

Johnatan: "¿Sólo he matado a 12? Bueno, me basta uno más para superar a mis adorables tías, pero ¿quién?"
Mortimer: "Hola, ya estoy aquí"

Mirada tensa entre los dos.

Redoble manteniendo por 3 segundos la tensión, y luego, luz fuera y arranca la música del segundo entreacto. Con los timbales rítmicos y el constante estrés de los violines he conseguido una obra de gran viveza, sin duda la más seria y tensa de toda la obra. ¿Está acorde con el carácter del resto? Bueno, un poco de oscuridad de vez en cuando no va mal, y este entreacto es quizá el más siniestro de todos, y da pie al último acto de desenlace, por lo que este corte prefiero que no se vea como un descanso, sino como un misterio latente.

06. Mortimer amordazado+Y ahora, Mortimer

Mortimer: "El personaje no es nada inteligente, se sienta ahí y deja que le aten"

30 segundos de cine mudo, en la que el protagonista es amordazado frenéticamente. Campana final.

Doctor: "Tenía usted razón, no era nada inteligente".

Aunque me gusta más la versión 2.1 (abajo, en "versiones anteriores") en la obra de teatro se prefirió esta por ser más frenética y pegar más con el movimiento de los actores.

Johnatan: "Y ahora, Mortimer, escribiremos nosotros el final de esta obra". Prota atado, a punto de ser exterminado. El tema se termina bruscamente por un trompetazo de Teddy que corta la acción. Para ello, los últimos 15 segundos son acordes de tensión creciente sin resolver, de tal manera que pueda cortarse la música en cualquier momento según la velocidad de la acción.

07. Elipsis - El guión del policía

Policía: "¿Qué le desate? Nooo, se va a quedar ahí escuchando mi guión"

El tiempo pasa, mientras que el policía habla, Mortimer da por perdida su liberación y Johnatan y el Doctor se van quedando dormidos. En un momento dado, el ritmo del reloj musical se suspende, haciendo una especie de elipsis sonora, para retomarse en un tono más grave, aunque al mismo ritmo inicial. Es un experimento, para reflejar que han pasado unas horas.

08. Final

Música que sonará tras el chiste final, fuera luces, aplausos, se encienden las luces y actores saludando. Empieza y termina de manera más rimbombante, para que la gente aplauda más. Con la repetición extendida del principio se cierra musicalmente el ciclo.

He optado por introducir una interesante marcha triunfal, que se genera haciendo sonar a la vez el tema principal un poco variado con el tema del pizzicato de las tías Brewster. (Este tema está en notas graves y se nota poco, pero luego la campana lo resalta). Tras la marcha se abrirá el telón y con el tema principal sin alteraciones los actores saldrán a saludar.

VERSIONES ANTERIORES

Orquesta afinando

Versión 1.0 - 6 de Septiembre de 2009.

¡Empieza la función!

Versión 1.0 (larga) - 8 de Agosto de 2009.

Versión 1.1 (corta) - 5 de Septiembre de 2009.

Con esta música se apagan las luces y se abrirá el telón con las campanadas finales. Hay una con una introducción tipo "Lo que el viento se llevó", la otra empieza con una fanfarria que va directamente al grano.

Acto 1. Entrada del siniestro Johnatan.

Versión 1.0 - 24 de Junio de 2009

Versión 1.1 - 9 de Agosto de 2009

En esta versión aparecen las campanas como motivo recurrente. Todo es muy grave para que se pueda entender a los actores y poder cortar la música sin que se note demasiado.

Entreacto I-II

Versión 1.0 - 10 de Agosto de 2009

Quiero aligerar un poco la parte central, me parece que es demasiado deudora del espíritu de caballería del comienzo.

Bajando el cadáver a Panamá

Versión 1.0 - 16 de Agosto de 2009

No estoy muy convencido con esta, además a partir de la mitad de la obra he decidido irme por peteneras y hacer un ejercicio de escuela al hacer un contrapunto a 3 voces barroco con el tema del comienzo de la obra de teatro. Una pequeña travesura que desde luego no verá la luz.

Fin del acto 2. Música para el entreacto.

Versión 1.0 - 24 de Junio de 2009.

Versión 1.1. - 7 de Julio de 2009.

Aquí ya están esbozados los 2 temas que tendrá esta pieza, uno rápido que se repite con frecuencia y uno lento que se puede escuchar a partir del segundo 00:30, que no es sino el tema rápido más largo. Ahora falta la estructura musical, para que no parezca esto una acumulación de ideas sueltas, y que se ajuste a las condiciones de la representación teatral.

Versión 2.0 - 15 de Agosto de 2009

Nuevo material sonoro (el anterior era demasiado Hitchcock), reciclando algunos puntos anteriores (00:16, 00:34, por ejemplo).

Mortimer amordazado

Versión 1.1 - 16 de Agosto de 2009

Con el tema principal y el de las tías se fabrica todo el material sonoro.

Versión 1.3 - 16 de Septiembre de 2009

Más estresante que la anterior, más rápida y con unos cambios de ritmo más abruptos, para aumentar el nerviosismo de la escena. No sé, la he hecho rompiendo la versión 1.2 de manera un poco aleatoria, creo que se puede mejorar, porque el ritmo que se ha roto es el de pequeña escala, cuando buscaba una ruptura más grande. Todavía el compás es excesivamente cuadrado.

Versión 2.1 - 30 de Septiembre

Cuarta versión, con un material sonoro distinto, con otro ritmo y unos solos de viento más zíngaros. Estructura y compases más libres.

Y ahora, Mortimer (provisional)

Versión 1.0 - 17 de Agosto de 2009

Elipsis - El guión del policía

Versión 1.0 - 15 de Septiembre de 2009

Demasiado corta, y no se entiende que han pasado horas mientras sonaba esta música.

Música para el final

Versión 1.0 (remake del principio) - 8 de Agosto de 2009

Por ahora minuto y medio, aunque quizá debería ser más largo al final para dar tiempo a los aplausos.

Versión 1.1 (remake del principio) - 31 de Agosto de 2009

Aunque esta versión tiene el sonido de los vientos algo mejorada, pierde fuerza. Además, las transiciones entre cada motivo musical son algo bruscas. Debería ser más larga, ya que en la primera representación, se aplaudió casi 3 minutos, y esta ya con experiencia, puede salir mejor.

Versión 1.2 (corta) - 1 de Septiembre de 2009

Versión 1.3 (larga) - 5 de Septiembre de 2009

Necesito una casa al final de esa carretera

2009-05-12T02:54:00.000-07:00

Necesito una carretera para llegar a mi casa. Lógico ¿no? Pero cada vez que se construye cualquier infraestructura para dar servicio a una zona, el resultado es perverso: atraemos a más gente.

Un ejemplo madrileño: la primera línea de metro comunica el centro con el norte. Y supone una mejora tal de las comunicaciones en ese corredor que convierte a privilegiados a los que lo usan. La conclusión: todo el mundo quiere trabajar y vivir a lo largo de ese corredor. 10 años después, cuando el metro todavía no llega a muchos barrios, se duplica esa primera línea 500 metros más al oeste, provocando un efecto mayor.

Hoy, 1 millón de personas hacen el recorrido norte-sur para ir a trabajar, a esas dos líneas de metro que pasan por el centro se le suma otra más, el túnel de cercanías, su duplicación recién inaugurada, está en proyecto un túnel del AVE haciendo el mismo recorrido y se habla de añadir una línea más de metro. Las autopistas que realizan ese recorrido acaban de ser ampliadas (y atascadas). Sin embargo, el uso que tienen la nueva línea de metro este-oeste es residual.

La sección áurea en teatro

2009-04-18T03:34:00.001-07:00

Siempre me ha resultado extremadamente musical la estructura de "Esperando a Godot". Tiene dos actos, y en cada uno de ellos se va repitiendo sistemáticamente el mismo esquema de guión, hasta el punto que el espectador sabe en el segundo acto lo que va a pasar.
¿Qué sentido tiene hacer dos actos iguales? Bueno, es que no son iguales, hay un par de diferencias:

1. El segundo acto repite todo, pero con variaciones: todo tiene un tono más siniestro. Escenas que en un principio pudieron ser incluso graciosas, ahora tienen ligeras variaciones que las vuelven bastante macabras. Esto es lo que en música se llama "Variaciones sobre un Tema", es decir hay una parte primera reconocible, pero presentado desde un aspecto nuevo. Es importante que convivan las dos ideas, la similitud que sirve de punto de referencia, y la diferencia, que capta el interés. Dos actos sin relación parecen dos obras distintas, dos actos iguales aburren.
2. El segundo acto también es más corto. Al igual que en el ejemplo que comentaba de Pompa y Circunstancia, el autor sabe que la segunda parte, por conocida debe concentrar más interés y evitar duración superflua, para que el espectador no diga "Esto ya me lo sé, es previsible y por lo tanto, me voy".

En estos dos videos, grabación de un aficionado he podido al fin medir la duración de los dos actos. Aunque por supuesto habrá varias versiones con distinto ritmo, nos sirve de aproximación para descubrir que la duración del segundo acto dura como 1 tercio menos que el primero.

Primer acto: 58 minutos

Segundo acto: 38 minutos (sin aplausos)

Su relación de nuevo vuelve a acercarse a la sección áurea: 38/58 =0,65

La regla del tres

2009-04-17T05:42:00.001-07:00

Van un francés, un inglés y un español... ¿les suena? ¿nunca se han preguntado por qué estos chistes se hacen siempre con 3 personas y no 2 ó 4?. Porque no funciona, vean lo que pasa si el chiste es...

Con 2 personas: Van un inglés y un español, el inglés se conporta de una manera y el español de otra. Lo único que nos cuenta esta historia es que hay dos personas distintas, puede que la del español sea más motivo de risa, pero no sorprende en exceso. Hace falta crear una situación que se repite para que deduzcamos una regla común, hace falta el francés, que nos haga ver que lo que ha hecho el inglés no es una excentricidad, sino la norma.
Con 3 personas: Ahora ya podemos precedir lo que vendrá... y entonces llega el español y lo jode todo y nos sorprende y divierte. Esto funciona, los dos primeros iguales, y el tercero distinto.
Con 4 personas (versión 1): Un inglés, un francés, un alemán, que hace lo mismo que los anteriores y el español, que nos sigue haciendo gracia. ¿Para qué está ese alemán ahí? Ya hemos establecido una regla, el alemán solo alarga el chiste y no aporta nada. Vete, pesao, que cuando llegue el español, vamos a estar dormidos.
Con 4 personas (versión 2): Van un inglés, un francés y luego el español nos sorprende y nos hace gracia, pero más luego llega un italiano y hace la misma gracia ¿misma sorpresa? Pues no, haber llegado antes, tío, que el chiste ya lo ha hecho el español. El italiano sobra y es un brasas.
Este gag de Jacques Tati en "Mi tío", lo ilustra. Dos gestos iguales para establecer una regla, y luego el tercero que da sentido al chiste.

Este esquema es el que aparece comunmente en música como estructura de sonata, o típica canción pop, y también funciona.

Sinfonía en construcción

2009-04-17T03:40:00.000-07:00

Este sinfonía todavía en obras, es un adelanto de un encargo empezado en el año 1999.

I. Adagio - Allegro (1999-Febrero-Marzo 2010)

Esto es el comienzo, Adagio (de 1999) y Allegro (de Febrero-Marzo de 2010). El Allegro es una tradicional sonata clásica, con sus repeticiones, desarrollo que te transporta a otro escenario (minutos 6-8) y reexposición.

II. Andante (Coral)- Febrero 2010

Puede que se quede aquí como sinfonía, o que lo desarrolle como coral. ya veremos

III. Scherzo - Trío - Scherzo (1999)

Este scherzo, sigue una estructura típica de estos movimientos sinfónicos, con una primera parte viva, un pasaje central que se solía llamar "trío", más calmado y que aquí se interrumpe a la mitad, y que más adelante repetirá el tema inicial, aunque un poco recortado, para que la repetición no canse.

El punto culminante de una narración

2009-03-02T08:45:00.001-08:00

Hay ciertas historias, músicas, películas...qué se yo, cualquier evento que tenga una linea narrativa que suelen tener un punto de inflexión en su transcurso de máxima tensión. Si está bien hecho, la percepción que tendremos a partir de ese momento de la narración ya no será igual, aunque volvamos a ver hechos repetidos.

No sé porqué, pero ese punto de máxima tensión tiende a estar en un momento concreto de la narración que se repite canción tras canción, peli tras peli. Y ese instante sucede aproximadamente a los dos tercios del total de la duración de la peli o música, concretamente un poco antes, y más concretamente cuando ha transcurrido el 61,8% de la obra en cuestión. Ese porcentaje no es casual, habrá quien lo haya reconocido, pero para quien no, se trata de la famosa proporción áurea, de 0,618 a 1... o del 61,8% respecto al total de 100%.
¿Cómo se detecta ese punto culminante en la música?
En muchos temas musicales estamos acostumbrados a una cierta repetición: estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, etc... Pero siempre hay un pasaje como hacia la mitad que se sale de los temas conocidos y empieza alejarse, alejarse... Hasta llegar a un punto en el que la canción se ha vuelto irreconocible, de tal manera que si sólo escuchásemos esa parte sin conocer el resto, nos costaría creer que tiene algo que ver.

A partir de un punto de inflexión, la canción se tuerce para intentar volver al tema inicial. Es como si la primera parte conocida es nuestra casa, luego iniciamos un viaje y cuando hemos llegado al final del viaje, volvemos para reencontrarnos con nuestro territorio familiar. Ese punto de inflexión del viaje en la parte más desconocida de la historia, película o música es el punto culminante.
El ejemplo de "La Casa Azul", con su tema "Superguay".
0:00 Inicio. Tono alegre y festivo. Todo se volverá a repetir a partir del minuto 1:32
2:10 El video se introduce por sorpresa en un mundo oscuro, muy distinto al estilo previo
2:25 Punto de inflexión, con un golpe de música y cambio de video, nuevos ritmos, máxima tensión. No hemos vuelto todavía a un tema conocido. Este es el punto culminante y desde aquí la música intentará regresar a un terreno conocido.
2:57 Ahora sí, estamos de vuelta, ccn el estribillo que ya conocemos. ¡Bienvenidos al hogar!
3:55 Fin
En este caso, el punto de inflexión 2:25 (145 segundos), es la sección áurea de la duración total 3:55 (235 segundos): 145/235 = 0,62

Y ahora, el ejemplo con Mozart, overtura de "La Flauta Mágica"

Las oberturas tienen una estructura ligeramente distinta, no hacen repeticiones. Sin embargo, en este caso se puede observar claramente como el pasaje distinto nos lleva de nuevo al punto culminante para luego regresar al tema inicial.

0:05 Inicio solemne. A partir del minuto 1:28 empieza el rock 'n' roll.

3:15 Cuando parece que todo vuelve a empezar, nos encontramos con una versión de lo que ya conocemos, pero mucho más oscura. Este pasaje llega a ser incluso violento, llegando a un punto de máxima tensión en una gran pausa en el minuto 4:17.
4:15 (250 segundos) Punto culminante, y también de inflexión. A partir de aquí, los pasajes oscuros van remitiendo para poder volver al estilo inicial.
4:40 Tema inicial, ligeramente variado. Tomará toda su fuerza a partir de 4:53
6:40 (395 segundos) Fin
De nuevo, el punto de inflexión a los 252 segundos, es muy cercana a la sección áurea de la duración total de 396 segundos: 250/395 = 0,63

Como curiosidad, el tema de la Flauta Mágica nació en un duelo de pianos que sucedió 10 años contra Clementi, que tocó la sonata opus 24 en Si bemol Mayor. Las primeras notas sirvieron de inspiración para Mozart, que la uso para reciclar una antigua estructura musical de Obertura Francesa (introducción lenta-pasaje en fuga rápido-introducción lenta otra vez), pasada de moda desde hacía 50 años poniéndola de moda. Algún día entraré en el tema de cómo Mozart experimentaba con las estructuras musicales del momento, mezclando rondós, sonatas o fugas en una misma pieza.

Si quieren conocer algún ejemplo de punto culminante en el cine, vean este enlace acerca de Vértigo, de Alfred Hitchcock
Pero ¿siempre aparece este punto culminate en ese momento?

No, por supuesto. El punto culminante no suele ser tan claro, ni aparece con tanta exactitud. Tengo la teoría de que el cuerpo humano espera la duración temporal áurea, es decir que en ese momento de tensión llevemos el 62% de lo que escuchamos y que la obra se termine cuando pase el 39% restante. Si eso no es así, nos dará la sensación de que la peli, novela o música se ha quedado corta o larga. Buscaré ejemplos en los que eso pasa.
Por ahora puedo comentar que es absolutamente claro por su tensión y preciso en el tiempo en la obra de Schubert. Busquen alguna obra suya, a ser posible un primer movimiento, que son las más claras. (P.D. Ojo a las versiones, hay algunas en las que los intérpretes deciden eliminar las repeticiones del principio, o hacer repeticiones de más al final. Como explico en este enlace, el que funciona es el que repite al princpio pero no al final).

La estructura de sonata

2009-03-02T08:40:00.000-08:00

Hay temas musicales que siguen una estructura que se repite desde hace 400 años con distintos nombres. Villancico, Sonata, o la "típica canción pop de estribillo y estrofa" comparten un mismo esquema.
Y si no me creen, pondré un par de ejemplos de Mozart y "La Casa Azul", y verán como siguen fielmente este molde. Distinto estilo, distinta duración, nada que ver... pero tienen algo en común.

A continuación, en primicia, desvelamos ese esquema universal:

La repetición en música

2009-03-02T08:39:00.001-08:00

La música acepta la repetición, pero sólo una vez. Las siguientes, hay que ganárselas. Hay dos motivos para esto:
La regla del tres, empleada frecuentemente en chistes. Necesitamos una repetición de cualquier evento para deducir una regla general. Cuando ya tenemos la regla, podemos hacer la excepción.
La repetición no existe

Mirar el paisaje

2009-02-26T07:02:00.000-08:00

En el momento en que más de la mitad de la población del mundo vive en ciudades, se produce un cambio en la manera de entender el paisaje. Tradicionalmente asociado al entorno natural, dentro del cual sucedían las excepciones en forma de ciudades u otras intervenciones humanas, era fácil entender que paisaje era “lo de fuera, lo que no es urbano”, y que cualquier alteración de éste significaba su desaparición. Sin embargo, llegamos al punto único en la historia de que son las ciudades las que rodean los paisajes naturales, y que paradójicamente, estos se conservan por una voluntad expresa de protegerlos del crecimiento urbano, es decir, siguen existiendo gracias a la intervención humana.

En este punto, cuesta pensar que el único paisaje son las áreas no urbanas, pues cada vez más son islas de excepción dentro de un tejido complejo de interacción entre el hombre y la naturaleza con límites cada vez más grises; porque al igual que el paisaje tradicional “natural” ha sido invadido, también la ciudad se ve más como un paisaje con características propias de la naturaleza.
Con este contexto de partida, cualquier acto de intervención que por su gran escala suponga una alteración del territorio debe ser entendido como una operación de paisaje, con independencia del porcentaje de ese territorio que sea natural o alterado, pues ninguna de las dos categorías es ya excluyente de su opuesta.
Este cambio de enfoque implica también un cambio en la metodología con la que se ordena el territorio, que actualmente intenta trazar una línea legal entre lo que es naturaleza y lo que es ciudad, procurándose la conservación más estricta posible en un caso y una intervención dura en el otro, lo que sólo puede suceder en escalas pequeñas. Cuando el territorio es grande esta división es siempre conflictiva: la preservación de los espacios protegidos es total sólo cuando el crecimiento urbano (sobre todo de infraestructuras) es prácticamente nulo, y viceversa.
Frente a esta dualidad heredada de una zonificación creada en los tiempos en los que todavía era posible trazar el límite entre la ciudad y el campo, es preferible un planteamiento más blando que se adapte a la realidad mezclada y compleja del territorio contemporáneo. Esta nueva mirada implica considerar la ciudad y sus extensiones como otro elemento más de la naturaleza, y por lo tanto aplicar criterios de sostenibilidad y preservación del paisaje a los cambios que se propongan, a la vez que se pueden contemplar los espacios naturales como parte indisoluble y complementaria de la ciudad, actuándose para que esta simbiosis sea la mayor garantía de su permanencia a lo largo del tiempo.
Cualquier actuación que se lleve a cabo con estos parámetros debería además corregir las disfunciones que en el pasado se hayan podido producir por no considerar las grandes modificaciones del paisaje como parte del mismo, considerándolo como un mal menor en aras del progreso. Eso supone que una autopista, una gravera o una urbanización masiva son también un paisaje, con aspectos negativos evidentes que habrá que corregir, pero con virtudes que pueden ser descubiertas y multiplicadas. En último extremo, no sólo lograremos que la autopista nos parezca aceptable, sino que el paisaje que atraviesa se enriquezca y mejore gracias a ella. El defecto se vuelve virtud: las alteraciones del paisaje son las mejores herramientas que permitirán descubrir el valor de un paraje, incluso aquellos que consideramos como inviables como parte de la escena natural-urbana.
Un gran ejemplo de ello se aplicó en el planteamiento del Plan de Calidad de Paisaje Urbano de Madrid (mecsa 2006-2009), en el que la ciudad era objeto de una mirada casi biológica, en el que no se consideraba que hubiera paisajes malos, sino simplemente poco valorados, como por ejemplo las periferias residenciales modernas. El análisis de estos territorios permitía encontrar valores positivos y oportunidades, que pueden mejorar extraordinariamente la calidad de su escena urbana, y además aportar beneficios para otras áreas cercanas mediante una serie de intervenciones blandas y recomendaciones pequeñas, pero aplicadas a escala global.

"Con sus construcciones modernas, los romanos estropean el paisaje"
(Asterix y la Hoz de Oro)
Acueducto de Les Ferreres, Tarragona.
¿A que a nadie se le ocurriría pedir que lo tiraran, porque afea el paisaje?
Sin embargo, entre la primera imagen y esta, han tenido que pasar 2000 años. ¿Necesitamos tanto tiempo para ver una autopista como una oportunidad de mejorar el paisaje del entorno? Creo que no.

La proporción áurea en el cine

2009-02-06T05:02:00.000-08:00

Hay películas cuya duración y estructura responden a proporciones de 1 a 1,618, es decir, secciones áureas.

"Vértigo", de Alfred Hitchcock.
Escojo esta peli, porque tiene una estructura muy clara: una narración que a mitad de película desemboca tras una tensa escena en un falso final. Luego la película vuelve a empezar, repitiendo ese mismo esquema.
La película dura 128 minutos. Observen cómo ese falso final sucede en el minuto 78, una sospechosa aproximación a una proporción áurea (78/128 = 0,61).
Dejo un video con los minutos 76-78.

O la peli entera subtitulada al chino mandarín, para quien quiera
http://v.youku.com/v_show/id_XMTU2OTQ1NDg=.html
Esta película es un gran ejemplo de 2 maneras que tiene la proporción áurea de aparecer en narraciones, música o cine:
I. Dos partes parecidas, la segunda dura sólo un 61,8% respecto a la primera.
II. Un punto de tensión máxima al llegar al 61,8% de la duración total.

La proporción aurea en el tiempo

2009-02-06T04:52:00.001-08:00

La proporción áurea no sólo aparece como relación entre distancias, también entre tiempos. Vea aquí ejemplo de proporciones aúreas en música, cine o acontecimientos históricos

¿Por qué los OVNIs siguen la moda terrestre?

2009-02-06T02:44:00.000-08:00

Hay una extraña coincidencia entre la estética extraterrestre de la que se tiene supuesta documentación y el tipo de diseño industrial y artístico que impera en ese momento en la Tierra.

Un ejemplo:
Los conocidos círculos que aparecen cada verano en la campiña inglesa desde 1979, atribuidos a aterrizajes de OVNIs.
Y una obra de Land Art, movimiento artístico que desde la década de 1970 interviene en el paisaje.

Escena 0: un corto inacabado

2009-01-12T14:41:00.001-08:00

Realmente, lo único que se llegó a hacer fue la banda sonora de los títulos de crédito. Creado con los limitados medios de un MIDI, aunque estaba pensado para cuarteto de cuerda y timbal. Escuchen, escuchen: Como se puede ver, la influencia de Bernard Hermann es notable (el que le hacía las músicas a Hitchcock)

Campanitas de Danny Elfman

2009-01-12T13:34:00.001-08:00

¿Cómo sería la famosa canción "Campanitas del lugar" (twnikle, twinkle, little star), si la hubiera compuesto Danny Elfman? Aquí mi versión (sí, el piano y las voces soy yo mismo):

Cuando economía y ecología se dan la mano

2009-01-12T07:52:00.000-08:00

Es falso que la actual crisis económica ponga en peligro el cumplimiento de los protocolos de Kyoto. En un escenario de escasez de recursos, lo más económico también es lo más ecológico.

La tecnología y la densidad de las ciudades

2009-01-12T06:59:00.000-08:00

Los cambios de densidad de población en la ciudad alteran nuestra calidad de vida, para lo bueno y para lo malo. La tecnología es capaz de alterar y corregir los efectos de esa densidad.

¿Qué tienen en común Mozart y La Casa Azul?

2009-01-07T05:31:00.001-08:00

A lo largo de los siglos, hay una estructura musical que se repite constantemente.

Dedicado al señor Manzattan, que se interesó por este título

No sé si esto que cuento es común a la música de toda cultura, pero sí es cierto para la música occidental. Existen ciertos rasgos que podemos identificar en estilos, a priori tan distintos como la música clásica o el pop, que son:

La repetición en música

La estructura de sonata

El punto culminante de una narración

Cada uno de estos rasgos es identificable en músicas, al menos desde hace 250 años. Este tipo de "estructuras musicales", como a mí me gusta llamarlas trascienden estilos, duraciones, instrumentos, épocas y contenidos, pero siempre están ahí ¿por qué? Porque funcionan. La prueba y error que miles de músicos han hecho a lo largo de estos siglos con sus obras hace que algunas sean mejores, aunque no sepan muy bien el motivo. En cada uno de los enlaces explico este secreto.

La proporción áurea en música

2008-05-06T08:12:00.001-07:00

La proporción áurea (1 a 0,618...) no es sólo una proporción geométrica, también se da en el tiempo. A raiz de este artículo decidí investigar hasta que punto era frecuente esa proporción no sólo en la música clásica, sino en todas las artes en las que interviene el tiempo (literatura, música, cine).

Para empezar, un ejemplo: Marcha nº 1 de "Pompa y Circunstancia", de Edward Elgar

Dos temas muy diferentes (observe cómo la barra del reproductor sigue los colores que tiene debajo):

Una marcha militar, como las de los desfiles con majorettes.

Un himno de gran flema británica, que usa la reina de inglaterra a la hora del té.

Después de sonar estos dos temas, hay un corte en el segundo 237 y la música vuelve a empezar. Sin embargo, esta segunda vez Elgar decidió acortar la música, para que la repetición no se hiciera aburrida.

Esta segunda vuelta dura sólo 148 segundos, es decir hay una proporción aproximada de 0,62 a 1 entre ambas repeticiones. Ahí hay una proporción áurea.

Esta estructura narrativa en 2 partes repetidas, la primera 1,62 veces más larga que la segunda la podemos encontrar también en el cine: vértigo, de Alfred Hitchcock

Y también en el teatro: Esperando a Godot, de Samuel Beckett

Sanchinarrismos: Nuevas ciudades

2008-05-06T08:08:00.000-07:00

Una crítica a las nuevas periferias de Madrid. ¿Puede un anciano con movilidad reducida vivir el día a día sólo en Sanchinarro? ¿Qué pasará cuando millones de personas se hayan criado en un entorno en el que no existe la diferencia de clase? ¿Qué ocurrirá cuando esos barrios se queden obsoletos? ¿cómo se renuevan?